Il languoroso canto di OMARA PORTUONDO: da Cuba “para el alma divertir”

La prima cosa che mi colpì di Omara Portuondo fu la “cebolla”(cipolla). Quel suo chignon alto, lussureggiante come la natura di Cuba, l’“isla grande” dov’è nata il 29 ottobre 1930. A renderlo ancora più imponente contribuiva una statura che dalle sue parti vale ad Omara l’appellativo di “pedacito de mujer (pezzo di donna)”. Poi la sentii cantare, e dimenticai la cebolla, l’età, l’altezza e, perfino, l’improbabile vestito di lamé bluette che indossava il 22 ottobre 2001 sul palco del “Giacosa” di Aosta per lo spettacolo inaugurale della “Saison Culturelle”. E quando accennò, sinuosa, dei passi di rumba, sembrò, addirittura, “la más sexy”, come, durante la serata, la definirono più volte i bravissimi musicisti, una dozzina, che l’accompagnarono in quell’unica data italiana della sua tournèe mondiale.

“El local es pequeñò, ma el corazon del publico muy grande” ripetè lei, felice d’essere riuscita a schiodare quei valdostani così compassati dalle poltrone, facendoli “gozar de una manera espantosa” con boleri, son, cha-cha-chà, rumbe e mambi. Musica, la sua, fatta apposta “para el alma divertir”. «Il mondo è sempre più in uno stato di stress e tristezza.- mi aveva detto prima dello spettacolo- La musica cubana è proprio quello che ci vuole per rilassare e far ritornare il sorriso. Specialmente quella dei miei tempi, che ha fatto riscoprire un modo “old-fashioned” di suonare e cantare.» Quella, per intendersi, del progetto “Buena Vista Social Club”, di quei nonnini cubani, cioè, impastati di “musica, tabaco y rum” che nel 1996 avevano conquistato il mondo con un cd prodotto da Ry Cooder e nel 1999 con un film-documentario girato da Wim Wenders. Di quell’avventura Omara è stata l’unica donna, ritagliandosi un cammeo indimenticabile con il bolero strappacuore “Veinte Años”. “Fui la ilusion de tu vida un dia lejano ya” vi canta con una voce languorosa che, come tutti gli amori finiti, è “recuerdo” e “soledad” (solitudine). «L’ho imparata da bambina perché me la cantavano i miei genitori.- ricordò- Dopo cena, mio padre faceva la prima voce e mia madre armonizzava mentre lavava i piatti. E’ una delle mie favorite perché mi ricorda l’infanzia.»

Inevitabilmente si parlò della fragranza musicale della Cuba pre-Castro, che sarà pure stata il “bordello d’America”, però… «Ricordo quando a metà degli anni ’50 con il Cuarteto Las D’Aida facevamo da spalla a Nat King Cole al “Tropicana” dell’Avana. Noi finivamo cantando “Blue Gardenia” e, poi, sfumando, lo annunciavamo. Allora lui cominciava a cantare senza musica, e noi ci chiedevamo come diavolo facesse a cantare così bene senza accompagnamento. Qualche anno prima al “Saint-Souci” avevamo, invece, lavorato con Edith Piaff.» Vennero, poi,  la rivoluzione, il “bloqueo” americano, l’autarchia culturale. Ma, forse, è proprio grazie a questa che la musica cubana ha conservato quella dimensione umana cui si deve la sua attuale fortuna. «E’ musica fatta da uomini per altri uomini.- confermò Omara- che della festa può esprimere l’energia, ma anche la nostalgia.» Per interpretarla “devi avere pianto, riso, sognato, vissuto. Devi avere un’anima chiara come il sole d’oriente”. Lo ha scritto Ruben Blades. E, forse, pensava a lei.

A “Demo”, su RaiRadio1, vota e fai votare L’ORAGE

Vota e fai votare L’Orage! E’ da qualche settimana che quest’invito del gruppo valdostano guidato da Alberto Visconti e dai fratelli Remy e Vincent Boniface corre su Facebook. Si riferisce alla partecipazione della loro “La fête du village” al concorso “The Best 2010/11” organizzato dal programma “Demo- L’acchiappatalenti” di RaiRadio1. Condotta da anni dalla coppia formata da Michael Pergolani e Renato Marengo, la trasmissione permette ai talenti emergenti di farsi notare mandando in onda i loro cd autoprodotti (Nathalie Giannitrapani, vincitrice di X Factor 4, è venuta fuori proprio da “Demo”).

Per la puntata del 13 aprile scorso il Gruppo d’Ascolto della trasmissione ha selezionato il cd “Come una festa” de L’Orage, il cui ascolto ha entusiasmato i conduttori («sò forti», hanno commentato). Vista, poi, la loro “grande qualità compositiva ed esecutiva”, di brani ne hanno, eccezionalmente, trasmessi ben due: “Queste ferite sono verdi” e, appunto,“La fête du village”. Quest’ultima, poi, è stata scelta per concorrere al titolo di migliore canzone trasmessa tra aprile e luglio, risultando, al momento, prima (con oltre 47.000 voti) tra il centinaio di canzoni in lizza. «Si può votare fino al 31 dicembre, collegandosi al sito http://www.radio.rai.it/radio1/demo e cliccando nella sezione “vota song”.- spiega Visconti- Chi vincerà potrà suonare dal vivo per mezz’ora in diretta nazionale su RaiRadio1.»

E’, d’altronde, grazie ad infuocati “live” che L’Orage si sta facendo largo nella scena musicale nazionale, stabilendo una rete di contatti che contano. Il secondo cd, in fase di ultimazione, potrà, infatti, contare sulle collaborazioni del pittore Daniele Galliano, ispiratore di molti pezzi dei Subsonica, che ne dipingerà la copertina, e del regista Marco Ponti che ne dirigerà il video. «Musicalmente è più rock, pesante e tondo rispetto al primo.- continua Visconti- Se “Come una festa” voleva essere un ritratto in studio di quello che eravamo capaci a fare dal vivo, questo sarà una prova di quello che possiamo fare in studio. Per usare un paragone cromatico: “Come una festa” lo vedo di un giallo solare, mentre questo disco sarà di un blu profondo, anche se, sotto certi aspetti, più scanzonato.»

Ulteriore banco di prova dei pezzi saranno i prossimi concerti che L’Orage farà a Milano (l’11 novembre a “La Scighera”) e Torino (il 16 dicembre al “Teatro della Caduta“). Il 18 dicembre, poi, saranno al Teatro Giacosa di Aosta con Abnoba e Trouveur Valdotèn, gruppi che, come L’Orage, fanno parte delll‘associazione “Grand-Mère” creata da Rémy Boniface e Mathieu Aymonod per promuovere un collettivo di gruppi musicali delle Alpi Occidentali. «Riflette la nostra filosofia del “chi fa da sè fa per tre”. Non sprechiamo tempo a inseguire i discografici, ma lavoriamo duro per ingrandire, passo dopo passo, il nostro progetto, puntando sull’indipendenza che ci permettono gli alti numeri in termini di quantità di date, dischi venduti,produzione di pezzi e seguito di pubblico.»

Il pop leggero e colorato dei NYLON

La musica dei Nylon è un po’ come il tessuto da cui il trio aostano ha preso il nome: leggera, vivacemente colorata e resistente ai ripetuti ascolti. E’, soprattutto, costruita con un filo continuo di melodia che rende il loro secondo, omonimo, demo, appena pubblicato, quanto mai riuscito e accattivante. 

Il merito è in gran parte del ventenne Andrea Franco, il frontman che canta, suona chitarra e tastiera e, soprattutto, compone con talento ed un gusto a cui non sono estranei modelli che vanno dai Muse a Cesare Cremonini. Non è, infatti, facile di questi tempi e, soprattutto, da queste parti imbattersi nell’urgenza emotiva di “Più” o nelle aperture polifoniche di “Viola”. Più rockeggiante “Sì, lo so” in cui è in evidenza la coppia ritmica formata da Simone Cheillon (batteria) ed Erik Focareta (basso).

Nati nel 2008, i Nylon si erano fatti notare nel 2009 per un demo, “Misanthropy”, “cattivo ed acidello”, il cui titolo lasciava presagire inquietudini ed aspirazioni non allineate. Conteneva un pezzo d’atmosfera come “Fearless”, in cui Andrea invitava i coetanei a non lasciarsi scivolare la vita addosso. «Adesso scrivo i testi in italiano.- spiega- E questo sia perché, essendo la mia lingua, è più facile, ma, soprattutto, per riuscire a comunicare meglio ed avere un riscontro maggiore di pubblico. Cantiamo fondamentalmente d’amore, rivestendo le parole con un pop melodico al cui interno, però, c’è un po’ di tutto.»

Nel corso dei vari contest valdostani cui hanno partecipato, i Nylon si sono distinti anche per una buona padronanza della scena ed una tendenza a sviluppare, con intro ed assoli, la parte strumentale delle canzoni. «Adesso abbiamo capito meglio chi siamo- conclude Cheillon, che cura l’aspetto organizzativo del gruppo- e con il nuovo anno, sistemate alcune situazioni lavorative e di studio, punteremo decisamente ad uscire dalla Valle.»              

NAIF HERIN festeggia i 30 anni con “La peggior settimana della mia vita”

Il 28 ottobre 2011 sarà un giorno importante per la cantautrice valdostana Christine Naïf Herin. Per un motivo privato (compirà 30 anni) e uno pubblico. Quel giorno, infatti, uscirà nelle sale cinematografiche italiane “La peggior settimana della mia vita”, il film d’esordio del regista Alessandro Genovesi i cui titoli di coda sono accompagnati dalla canzone “L’amore sei tu”, scritta da Christine con Rosalba Pippa, in arte Arisa, che ne è pure l’interprete.

«E’ stata lei a contattarmi- racconta la cantautrice valdostana- Mi seguiva da un po’ di tempo e le serviva un brano ironico. Inizialmente ero un po’ titubante per via delle sue partecipazioni al Festival di Sanremo, che l’hanno resa un’artista molta conosciuta ma, anche, molto pop. Lavorando, però, insieme sul testo di una mia canzone, siamo riuscite a mischiare le carte: per cui io sono diventata un po’ più pop e lei un po’ più… Naïf.»

Ad un primo ascolto del videoclip della canzone (dal 18 ottobre su YouTube), la bilancia della collaborazione sembra, però, decisamente pendere verso una “naïffizzazione” di Arisa. Sia come stile vocale che, naturalmente, per il modo tipicamente “naïffio” con cui la composizione coniuga melodia e swing. Per non parlare del sound, visto che il brano, arrangiato dalla cantautrice, è stato registrato nel “TdEstudio” di Quart con la supervisione di Momo Riva e le chitarre di Andrea “Manouche” Alesso.

“La peggior settimana della mia vita” s’ispira alla serie omonima trasmessa dalla BBC e racconta i dubbi e gli imprevisti che accompagnano la settimana che precede il matrimonio tra Paolo (Fabio De Luigi) e Margherita (Cristiana Capotondi). Situazione sviluppata in modo divertente grazie ad una sceneggiatura piena di ritmo ed un cast che annovera attori del calibro di Monica Guerritore, Antonio Catania e Alessandro Siani.

Prosegue, frattanto, spedita la carriera di Naïf Herin, che, in attesa del nuovo album in lingua francese, ha lanciato su YouTube il videoclip del singolo “Goute-Moi” uscito a giugno per il mercato francese. Un video pieno di gusto e sapore (in tutti i sensi, visto che ambientato in un surreale ristorante) che, come ha scritto una commentatrice su YouTube, sa far sorridere e sognare lasciando, inevitabilmente, fame di lei. Il brano è la traduzione della canzone “Goccia”, scritta per la cantautrice romana Paola Turci con la quale Naïf Herin si esibirà il 3 febbraio al Teatro Giacosa di Aosta per la “Saison Culturelle”.                                                                                                     

RICERCATO: 300.000 contatti (del blog) in 30 mesi

PURE QUESTO E’ AMORE (7) COLAZIONE DA TIFFANY

“Doc” Golightly ( Buddy Ebsen):Ti amo Lulamae….

Lulamae Barns alias Holly Golightly (Audrey Hepburn): Lo so, e vorrei che tu non mi amassi. L’hai sempre fatto questo sbaglio di amare degli esseri ribelli. Portavi a casa degli animali selvatici… e una volta era un falco con un’ala spezzata… e un’altra un gatto della prateria con una zampa rotta. Teneramente. Non si può dare il proprio cuore a una creatura selvatica: più le vuoi bene e più diventa ribelle. Finché un giorno se ne riscappa nella prateria e vola in cima a un albero. E poi su un albero più alto. E poi in cielo.

Da “COLAZIONE DA TIFFANY” (1961)  di Blake Edwards                                    

Il quadro bianco di “ART” specchio spietato di una società ipocrita

Scriveva lo scrittore francese Edmond de Goncourt: “La cosa che sente più stupidaggini al mondo è molto probabilmente un quadro di museo.” Lo conferma la trama su cui si dipana “Art”, la commedia di Yasmine Reza rappresentata al Teatro di Giacosa di Aosta il 18 e 19 ottobre da una compagnia di “all stars” formata da Alessandro Haber, Alessio Boni e Gigio Alberti.

Serge (Boni) ha acquistato un dipinto astratto, completamente bianco, all’astronomico prezzo di 200.000 Euro, ed è intorno alle reazioni, più o meno sincere, dei suoi amici 
Marc (Alberti) e Yvan (Haber) che Yasmine Reza sviluppa un discorso cinico sul significato dell’arte e le contraddizioni dell’amicizia negli anni delle passioni tristi.

Il quadro si trasforma, così, nello spietato specchio di rapporti che sempre più spesso si reggono su un labile collante fatto di ipocrisie, bugie, maschere,  Fra liti, ripicche, e comiche scene madri, la commedia arriva alla svolta finale: tutto ritorna come prima, il duo Marc-Serge ritroverà l’antica, esclusiva amicizia, continuando a condurre il gioco e lo sfigato Yvan a sopportare, vivendo senza molte speranze la sua solitudine molto affollata.

Perfetto il meccanismo messo su dal regista Giampiero Solari e condotto con maestria e sapiente gigioneria dai tre attori che hanno reso al meglio un testo scritto nel 1994 e per anni in cartellone in tutto il mondo.                                                                                           

BOB CORN e le canzoni che entrano dentro come un mantra ipnotico

A vederlo nelle foto, con tanto di barbone e chitarrina, il quarantaduenne cantautore emiliano Tiziano Sgarbi può dare l’idea di un omaccione burbero e corpulento. Impressione che, però, svanisce in fretta quando, com’è successo il 15 ottobre all’Espace Populaire di Aosta, lo si sente parlare di come si mangia bene nella “provincia del tortello di zucca” o sussurrare canzoni che parlano di amori che “girano attorno” e giardini dove ha colto le rose del suo passato. Si capisce, allora, il perché di quel nome d’arte, Bob Corn, che evoca i celebri chicchi di mais che, quando inizi a mangiarli, uno tira l’altro e non smetteresti più. Un po’ come le canzoni di Tiziano che entrano dentro come un mantra ipnotico. «Mi è sempre piaciuta la musica psichedelica e tribale.- ha ammesso prima del concerto- Non sono un gran musicista, per cui le mie canzoni sono fatte di giri armonici semplici e la mia aspirazione è scriverne una con un accordo che vada a finire per sempre.»

Di questi gioiellini sono pieni i 5 cd finora realizzati, a cominciare da “Sad Punk and Pasta for Breakfast”. «E’ la definizione che davo della mia musica all’inizio perché ero triste per un amore finito.- ha spiegato- Adesso mi sento sempre abbastanza punk, perché amo la musica semplice, ma un po’ meno “sad”. Nelle canzoni descrivo quello che vedo andando in giro per concerti.» Ne fa molti di concerti. In Italia ed all’estero. «Suono dappertutto, dalla casa privata al grande festival, cercando di comunicare il più possibile parlando molto col pubblico e mostrandomi quanto più vero.» Perché i testi sono solo in inglese? «Perché mi viene più naturale così. E, poi, mi aiuta quando, spesso, sono in giro fuori dall’Italia. All’estero, a volte, mi chiedono di fare pezzi in italiano, e allora canto cover di De Andrè, Perturbazione o della mia amica Pau.» Anche ad Aosta qualche cover ha inframmezzato sue composizioni vecchie e nuove («A gennaio ho pubblicato “The Watermelon Dream”, ma è già pronto il materiale per un nuovo cd.» )

Il suo era il secondo concerto della rassegna “Espace Indie Friday” curata da Andrey Spinella, che da settembre al giugno 2012 ha in programma dieci concerti di musica Indie. «E’ quella che gira intorno al mondo delle etichette indipendenti.- spiega Spinella- E’ un ambito enorme nel quale si muovono musicisti interessantissimi che saranno la musica italiana di domani. Ne è un esempio Vasco Brondi che, con Le luci della centrale elettrica, sarà quest’anno alla “Saison Culturelle”.» I prossimi appuntamenti della rassegna saranno il chitarrista Paolo Spaccamonti (che il 18 novembre darà un esempio di post rock strumentale), il quintetto austriaco Nitro Mahalia (il 9 dicembre) e il trio Ronin Guest Season (il 21 gennaio).                        

NANDO GAZZOLO e NERUDA: la grande poesia nasce dal profondo dell’anima, per cui, scuotendola profondamente, può cambiarla

Il cileno Pablo Neruda (pseudonimo di Neftalì Reyes Basalto) è uno dei pochi poeti moderni la cui fama sia andata oltre l’ambito letterario, al punto da diventare protagonista di film (“Il postino”) e, addirittura, canzonette (“Lo diceva Neruda che di giorno si suda…!»). Il perché lo si capì il 1° marzo 2008 nel corso del recital “…saprai che t’amo e che non t’amo…-le più belle poesie d’amore di Pablo Neruda” tenuto al Teatro Giacosa di Aosta da Nando Gazzolo, una delle più belle voci del teatro italiano (non a caso in quattro film ha dato la voce perfino a “The Voice” Frank Sinatra).

«Non amo la letteratura latino americana perché, in generale, preferisco scrittori più asciutti.- confessò l’attore nato a Savona il 16 ottobre 1928- Neruda fa, però, eccezione perché le sue poesie d’amore sono assolutamente coinvolgenti. Come quella che, parlando della morte di un amante, dice: “Ma questo amore non è finito, e così come non ebbe nascita, non ha morte, è come un lungo fiume, cambia solo di terra e labbra…”. Sono versi talmente belli che quando li recito mi commuovo. Il che per un attore è un errore, perché, se non usi la tecnica e ti lasci andare all’emozione, rischi di non comunicarla al pubblico». Conferma, quindi, che l’attore deve “recitare con la testa non con le viscere”? «Bisogna recitare col cervello. Anche il grande Eduardo De Filippo lo aveva ribadito in un intervista. La parte istintuale della recitazione è come un cavallo che bisogna guidare con le rèdini della tecnica. Altrimenti ti disarciona, e non sei più in grado di controllare i sentimenti e, quindi, di esprimerli al meglio».

Le idee marxiste, fecero sì che, dopo il golpe di Pinochet, Neruda fosse vessato con continue perquisizioni. Durante una di queste il poeta disse ai militari: «Guardatevi in giro, c’è una sola forma di pericolo per voi qui: la poesia». « La grande poesia- confermò Gazzolo- è un pensiero che nasce dal profondo dell’animo e quindi può scuoterlo profondamente. In questo senso può essere pericolosa: perché toccando l’anima può cambiarla».

Figlio d’arte, Gazzolo ha conosciuto vasta popolarità, soprattutto per l’intensa attività televisiva negli anni ‘60 e ‘70. Difficile, per chi abbia intorno a cinquant’anni, dimenticare personaggi come il Freddi Hamson dello sceneggiato “La cittadella” o il Thomas dei “Buddenbrook” o lo Sherlock Holmes dell’omonima serie televisiva (per non parlare del “Carosello” dell’Amaretto di Saronno). Copiosissima, poi, l’attività di doppiatore: è stato, infatti, la voce italiana di attori come David Niven e Marlon Brando. Nell’immaginario collettivo è rimasta anche la voce data ad un vigile milanese che “manda a quel paese” Totò e Peppino quando in Piazza Duomo gli chiedono: Per andare dove dobbiamo andare, dove dobbiamo andare?. «Totò aveva grossi problemi di vista- ricordò- per cui quando doppiammo quella scenetta aveva vicino una persona che gli stringeva il braccio ogni volta che doveva dire le battute. Nonostante questo, l’effetto comico fu irresistibile».  

Il mondo in minore dei “Fleurs de papier” di EVA (e Charles) PELLISSIER

“Que itrandze la via (che strana questa vita)”, ha scritto Eva Pellissier in una delle centinaia di poesie che da più di 30 anni scriveva in patois e francese. “Ci sono persone tanto stanche di recitare la loro vita- continua la poesia- e ci sono persone costrette a partire senza aver goduto di tutti i loro giorni e vorrebbero tanto poter ancora odorare la pioggia, il vento, l’acre profumo dell’assenzio.”

Questa condizione di perdita Eva l’ha provata più volte, visti i ripetuti bruschi “reset” che il destino le ha riservato. Come nell’ottobre 2000, quando l’acqua fece rotolare via la sua casa e, con lei, la frazione Faverge di Nus. O, in anni più recenti, quando una malattia le fece perdere un seno. O, ancora, dopo una traumatica separazione. Ricominciare, ogni volta, è stato un po’ come ritrovarsi di fronte ad un foglio bianco in attesa d’ispirazione. E l’abitudine a farvi fiorire “fiori di carta” l’ha aiutata. «Una volta messe in pagina le poesie diventano fiori di carta, più colorati e duraturi di quelli veri.- spiegava- Ho iniziato a scriverle a sette anni, attratta dalla possibilità di esprimere sensazioni e sentimenti, facendo cantare la parola».

Uno dei primi estimatori fu il colonnello Octave Berard che, nel 1972, ne lesse alcune dalle stazioni regionali della Rai. Tra queste, “La Viëille vatse”. «E’ la prima poesia che ho pubblicato.- ricordava- L’ho scritta in patois perché la poesia è musica, e certi suoni, legati a certe immagini, li sento nelle orecchie in francese e, soprattutto, in patois, la prima lingua che ho parlato.» Una musicalità che ha fatto sì che molte siano state rivestite di note. Come “Dans vos yeux”, musicata da Efisio Blanc. O «Ecoute», la sua poesia forse più nota, che, musicata da Angelo Mazza, è entrata nel repertorio del Coro Sant’Orso.

«Adesso abito a Messigné di Nus- mi raccontò l’ultima volta che l’intervistai- e in fondo al mio terreno c’è un valloncello in cui c’è una bellissima quercia. Quando l’Enel ha spostato le linee elettriche le hanno tagliato la chioma. Ma lei ha rifatto tutti i rami ed è ancora lì. Mi sembra quasi Eva.» “La Quercia”, che rinasce sentendo “formiche con le ali…nascere sulla punta delle mie dita, raggiungere le mie mani, salire fino alle mie guance”, è diventata una poesia del figlio Charles. Con lui, ventiduenne, Eva nell’ottobre 2011 ha pubblicato il libro “Fleurs de papier” popolato da poesie, in patois e francese, che cantano un mondo “in minore” che gira intorno a temi come la natura, i sentimenti e, soprattutto, l’inesorabile scorrere del tempo. “Une feuille de calendrier apès l’autre le temps s’en va”, scriveva Eva. Tempo che lascia una “douce mélancolie d’espérance, perché anche se ha “l’hiver dans le coeur … j’attends: le froid partira”. A casa di una riaccensione del cancro, Eva Pellissier è morta la mattina del 24 marzo 2011. Aveva 53 anni. I funerali si svolgeranno alle 15 del 26 marzo nella Chiesa Parrocchiale di Nus.